Taller N 3

DISEÑO LATINOAMERICANO 
Desde la Revolución Industrial los continentes han tenido algunos cambios en cuanto a la industria, la cultura, la economía, la política y muchas ramas que hacen que los países se desarrollen cada día, por tal razón se ha podido observar en el continente Europeo significativos acontecimientos en el campo del Diseño Industrial, en donde nacen estilos, movimientos y escuelas que hacen florecer dicho campo, ejemplos como La Bauhaus en Alemania, el estilo Art Deco en Francia, el Styling en E.E.U.U, el Diseño Italiano que se desarrolló después del postmodernismo y del mismo modo surgen el pop art, el minimalismo, anti diseño, High Tech, etc.

Por otro lado América no avanza tan rápido como Europa, pero no se queda atrás, los primeros cambios se dan en E.E.U.U, luego pasan a algunos países como México, Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Cuba entre otros; de tal manera, estos países tomaron influencias de Europa para fomentar y crear el Diseño Latinoamericano, diseño en el cual los países intentan hacer procesos de industrialización.

Dicha industrialización se manifestó en la manufactura de los productos de consumo, las cuales eran ligadas a los recursos naturales ya que todavía no se generaban industrias con equipos e indumentarias, pero más adelante se vienen a conocer instalaciones de infraestructuras en donde se producen objetos de uso cotidiano.

No obstante, los países no tenían la capacidad para exportar sus productos y por tal motivo, América latina no podía competir contra las grandes ligas internacionales de Diseño.

De igual manera, Latinoamérica estaba concentrada a la profesión y poco a la práctica, pues para poder competir contra grandes empresas necesitaría capacitaciones que le permitieran al diseñador sustentar y conceptualizar sus diseños; sin embargo se observaron pequeñas empresas destinadas a fabricar productos.

Ahora bien luego de las Guerras Mundiales y de los enormes efectos que causan en los países Europeos, diseñadores, artistas, arquitectos  se desplazan a América Latina para rehacer sus vidas y enfocarse en la profesión y por supuesto, se conciben nuevas ideas y propuestas para construir con latinos escuelas de Diseño y Arte.

Así pues se evidencian en países como Argentina en la década de los 40´s la modernidad, “una década en la que se formó la posibilidad del proyecto moderno en el contexto nacional, atribuible a un entramado de sucesos y cambios en diferentes campos”( Fernández, Bonsiepe,2008, p25) algunos cambios se observaron en la economía por la industrialización de importaciones ISI,  en la política, al surgimiento de la sociedad de masas y la interpelación por parte del poder político a los sectores trabajadores y en la cultura, al aparecimiento de la primera vanguardia planteada en el ámbito nacional en términos orgánicos.

Análogamente en Brasil, se construía “en la década de los 50´s un período de importantes innovaciones ligadas al clima modernizador que transformaba la economía y la sociedad” (Fernández, Bonsiepe,2008, p64) un  período de industrialización y urbanización, de crecimiento en los distintos caminos del diseño brasileño contemporáneo, se concentraron además métodos racionales de proyectación, estudios antropométricos, ergonómicos y tecnológicos, con lo que el diseño adquirió características científicas, sin desertar la estética de la Bauhaus.

En cuanto a México se caracterizó por la promoción del Diseño con un fuerte apoyo del gobierno que impulsaba las exportaciones y el diseño para mejorar la calidad de vida desde la parte ergonómica, y trayendo consigo programas de construcción de escuelas en los que el diseño Industrial marcó nuevos paradigmas.

Por añadidura se conoce en Colombia en 1904 la Escuela profesional de Artes Decorativas Industriales que pretendía concebir  un centro formativo de gran trascendencia para el desarrollo del país; se crean entonces empresas como Haceb, Imusa, Muebles Carvajal S.A, Grifos & Válvulas S.A. Grival, Artesanías de Colombia, Muebles Bima, y muchas más.

Del mismo modo, se fundan en las más reconocidas Universidades, las facultades de Diseño o Artes decorativas, tales universidades como la Javeriana, La Jorge Tadeo Lozano, La Nacional de Colombia, en las cuales profesores y fundadores sacan adelante tan anhelado campo y surgen así los primeros egresados en Colombia.

Así mismo en la década de los 60´s Cuba obtuvo transformaciones revolucionarias, “se llevaron a cabo profundos cambios estructurales en el país que significaron la centralización estatal de la economía, la industria, la cultura y la política” (Fernández, Bonsiepe, 2008, p111) debido a esto comienzan técnicas masivas para el agrado de las necesidades de la población, como educación, salud, recreación y vivienda.

Por último se forja en Chile modelos de desarrollo e innovación de productos, además  existieron  algunos intentos de innovación en el diseño de modelos, por lo general motivados por contextos de radicalización político-ideológica  buscando salidas en la producción semi-industrial, pero con algunos inconvenientes de demanda efectiva en el consumo por tal razón Chile tenía que desarrollarse hacia adentro para poder apostar con el exterior.

Finalmente cada país con su respectiva industrialización  hace de Latinoamérica un espectáculo de innovación, creación y diseño en el cual surgen escuelas, fábricas, empresas, museos, llenos de emprendimiento y motivación para sacar adelante nuevos conceptos y legados para el mundo.

BIBLIOGRAFÍA ENSAYO

Silvia Fernández, Gui Bonsiepe, Historia del diseño en América Latina y el Caribe, Editora BlÜcher, (2008).

BIBLIOGRAFÍA LÍNEA DEL TIEMPO

·    Silvia Fernández, Gui Bonsiepe, Historia del diseño en América Latina y el Caribe, Editora BlÜcher, (2008).

·       http://historiadeldisenoup.blogdiario.com/img/GuiaNo.8-disenolatinoamericano.pdf

·         http://www.analitica.com/va/arte/dossier/6210743.asp

·         http://issuu.com/editorablucher/docs/hdal_final06

·         http://camigarcia07.blogspot.com/2010/11/diseno-latinoamericano.html

·         http://anitaparra.blogspot.com/2011/06/diseno-latinoamericano.html

·         http://www.analitica.com/va/arte/dossier/6210743.asp

Taller N 2

Taller N 1

En la historia del mundo se evidencian grandes períodos, movimientos, estilos, épocas, cada uno con aportes estupendos que hacen del arte una expresión de ideas, conceptos, emociones con finalidades estéticas que generan una visión del mundo.

A finales de la Edad Media se destaca el período Gótico, se diferenciaba por obras y representaciones pictóricas que poseían luz, color, elevación, expresividad y naturalismo, todo esto para dotar de ornamento cualquier obra, ejemplos claros se dan en obras de Miguel Ángel,  Giotto y Giovanni Pisano.

En los siglos XV y XVI cuando se produjo el Renacimiento se vieron a flote grandes movimientos culturales y artísticos, en donde primaba una nueva concepción del hombre y el mundo, esto abrió campo a una vida diferente, con visiones diferentes y sobre todo gustos diferentes.

Por tal razón empezaron a desbordarse en cuanto al arte, autores capaces de representar un ideal, que con fundamentos configuraban la verdadera belleza artística; cada artista se basaba en “traducir las concepciones intelectuales y sociales de un movimiento histórico” (www.arteespaña.com) es decir, cada cambio social, político, científico y filosófico que requería del arte un modelo inconmensurable de la realidad.

Más adelante comenzando el siglo XX Europa estaba pasando por un desequilibrio social, económico y político entre algunas naciones, las cuales desembocan en la II Guerra Mundial, esto conllevo a que se generaran varias corrientes en cuanto al arte, estas fueron llamadas “Ismos”, se caracterizaban por ser modelos de belleza dominantes en tal época; Tales Ismos fueron llamados Vanguardias artísticas o históricas.

De esta manera surgen en un orden cronológico algunas vanguardias como el Realismo, el Impresionismo, el Fauvismo, el Expresionismo, el Futurismo, el Cubismo, el Dadaísmo, el Arte concreto, el Arte conceptual, el Up art, el Pop Art y el Minimalismo, todas con autores destacados para la humanidad. Así pues cada vanguardia poseía conceptos claros sobre arte que marcaban en la historia de este una increíble huella.

Después de las vanguardias y antes de la Revolución Industrial aparece la era Victoriana llamada así a la Reina Victoria de Inglaterra, época en la cual primaba el estilo gótico renacentista en la escultura, la arquitectura y la pintura; se puede resaltar entonces un arquitecto inglés Charles Barry influenciado por artistas renacentistas y góticos, reconocido por la  participación en la reconstrucción del Palacio de Westminster, que a primera vista se reconoce como Neogótico, un estilo gótico medieval, un ambiente romántico de exaltación del mundo medieval y de sus formas místicas, dota al palacio de una saturación de ornamento, de embellecimiento, de adornos que  reflejaban expresividad y naturalidad.

A partir de la Revolución Industrial en 1751 el concepto de Arte disminuye, debido al desarrollo político, social y económico que trajo consigo la mecanización, las industrias, los medios de transporte, los talleres, los primeros vehículos en otras palabras el objetivo de la Revolución era totalmente funcional y simbólico.

Pese a esto en el año1900, muchos autores se incomodaron de tanta funcionalidad y poca estética, como William Morris el cual rechazaba la industrialización y todo lo que ella se derivaba, era la negación de la máquina, puesto que se crea el movimiento Arts and Craft, luego de este movimiento se forma un estilo nuevo llamado Art Noveau, un arte nuevo que se definía como la posición mediadora entre la industria y el arte, que aprovechaba los procesos industriales para crear productos.

En 1919 En Francia se consolida el Art Deco una nueva tendencia, altamente decorativista “que presenta opciones que captan la mirada del espectador por su sofisticación, lujo, o compromiso formal” (Torrent, 2005, p225), es decir una mirada decorativista que busca en los objetos y la arquitectura, un estilo libre y glamoroso, caro por su gran componente de artesanía y lujosos materiales y al mismo tiempo le devuelven a los objetos la exclusividad de los tiempos anteriores.

Émile-Jacques Ruhlmann un diseñador Francés admirado por sus diseños de mobiliario con inspiraciones de Art Deco señalaba lo siguiente: “Una clientela de artistas, intelectuales y conocedores de escasos recursos es muy amable, pero no están en condiciones de pagar por toda la investigación, la experimentación, la prueba que se necesita para desarrollar un nuevo diseño. Sólo los muy ricos pueden pagar por lo que es nuevo y sólo ellos pueden hacer de moda. Fashions no se inician entre la gente común. Junto con la satisfacción de un deseo de cambio, el propósito real de la moda es mostrar la riqueza. Ya sea que lo queramos o no, un estilo es sólo una moda y la moda no aparece de orígenes humildes.". (www.ruhlmann.info) por  consiguiente Émile quería  forjar  objetos con un gran sentido de lujo que expresaban la exclusividad que solo podrían obtener la gente burguesa, del mismo modo, Ruhlmann “propone una revisitación a la tradición del mueble francés, pero con los motivos que harían del Déco un estilo propio, tales como la geometrización de las formas, la mezcla de materiales, el afilamiento…, cuidadoso con las proporciones, delicado en las combinaciones, siempre exquisito en el tratamiento de los materiales…” (Torrent, 2005, p256-257) es decir, primaba en él el lujo, las proporciones, la exclusividad y sobre todo a la clase la cual podía adquirir dichos productos.

En otro orden de cosas, comienzan a aparecer nuevos términos o conceptos de arte, como el Kitsch el cual lo definía Clement Greenberg como: “el arte popular, comercial, (…), portadas de revistas, ilustraciones, anuncios, la ficción y la mancha de la pulpa, el cómic…” (www.sharecom) esto entendido como falso, cursi, legítimo, vulgar, no original, que surge junto con las vanguardias como productos de la Revolución Industrial y un aumento relacionado en la alfabetización, estos destinados al proletariado que no podía alcanzar  productos extremadamente lujosos y costosos, originales y únicos  de tal modo la urbanización y la alfabetización hicieron una cultura popular caracterizada por la falta de sensibilidad de los valores de la cultura genuina.

Por cierto, para que el Kitsch se originara después de la Revolución,  debieron surgir vanguardias las cuales fueron de algún modo precursoras de tal movimiento, una de ellas fue el Dadaísmo con Marcel Duchamp que quería negar el valor funcional en los objetos industriales, y crear mayores posibilidades de arte, de la misma forma el Cubismo era una descomposición de la realidad, la belleza intentaba redefinirse, autores como Picasso en sus pinturas proponía tal ideal. Así pues el kitsch va adquiriendo poder en algunos países del mundo; como en E.E.U.U en un movimiento artístico llamado Pop Art que se vino consolidando en el Postmodernismo  caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, como anuncios publicitarios, comics, objetos culturales mundanos y del mundo del cine, un autor destacado es Andy Warhol ya que consolidaba e ilustraba íconos de E.E.U.U mediante un expresionismo de abstracción, fue tan impactante tal movimiento que hoy en día se han tomado otras concepciones acerca del kitsch.

En conclusión todos los movimientos, estilos y épocas han dejado consigo considerables conceptos que abarcan nociones y fundamentos acerca de arte, que en la actualidad le sirven al diseñador para proponer nuevas tendencias de diseño y del mismo modo sustentar  sus proyectos para obtener mejores y mayores resultados en la satisfacción de las necesidades del usuario.

BIBLIOGRAFÍA

·         Rosalia Torrent, Joan M. Main 2005, manuales arte y crítica  Madrid

·         www.arteespaña.com

·         www.ruhlmann.info

·         www.sharecom